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3 questions à… Sofiane Saïdi (raï algérien)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Enfant terrible du raï 2.0, le chanteur algérien Sofiane Saïdi, parisien d’adoption, bouscule avec ardeur les clichés du genre. L’album El Ndjoum, avec lequel il tourne depuis sa sortie aux côtés des musiciens de Mazalda, navigue entre chaoui, funk, synthés et derbouka-beat. Après un retour cet hiver sur sa terre natale pour quelques concerts qui brisent enfin trente ans de silence, il sera aux commandes d’ « Algérie Bélek Bélek », une soirée qui s’annonce incandescente ce samedi 7 mars à la Dynamo de Pantin. Imaginé dans le cadre du Festival Banlieues Bleues, le plateau scénique rassemblera des personnalités emblématiques d’une Algérie connectée à son actualité frénétique autant qu’à son héritage.
C’est lors de notre passage au Festival Musiques Métisses que nous avons remonté avec ce cheikh des temps modernes le fil de ses moultes escales musicales, parcourues ou convoitées.

« Ce que je recherche, c’est cette puissance du son : provoquer un vrai truc en l’autre au point qu’il reste à l’écoute alors qu’il tombe de sommeil. »

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Je suis né dans l’Ouest algérien, à Sidi Bel Abbès, une petite ville qui a été le berceau de la Légion étrangère mais qui est aussi célèbre pour son rock. Là-bas, même la musique traditionnelle sonne rock. À la fin des années 60, un de mes oncles est parti vivre en Californie. Il était dans une communauté, il croisait des artistes, il a même rencontré Santana. J’étais toujours impatient de découvrir les vinyles qu’il envoyait à mon grand frère : Pink Floyd, Stevie Wonder… Mon père, qui lui était plutôt un épicurien, écoutait tous les soirs des chanteuses comme Oum Kalthoum ou Asmahan. Je n’aimais pas trop jouer au foot comme mes copains, je préférais rester avec lui, calme et apaisé par ces voix. Ce contexte a sans aucun doute affûté mon oreille.

Artistiquement, si je devais choisir, je dirais que deux figures m’ont profondément influencé. Otis Redding d’abord, je ne saurais pas vraiment dire pourquoi, il m’a toujours touché, viscéralement. Et Asmahan, que j’évoquais plus tôt, la soeur du grand virtuose Farid El Atrache. C’était une chanteuse d’une grande beauté, à la voix bouleversante, elle me faisait rêver. Plus tard, j’ai découvert son parcours très singulier. Apparemment elle était agent double, elle travaillait dans les années 50 pour les services secrets français, anglais, égyptiens : un personnage un peu sulfureux en somme ! Ces deux artistes m’ont vraiment montré le chemin.

À une époque, j’ai flirté avec le trip hop, la jungle, et tout ce qui venait de la scène électro britannique. J’ai été amené à collaborer avec Transglobal Underground, Natacha Atlas, Smadj, Speed Caravan, DuOuD, j’adorais ces vibrations-là. Aujourd’hui je suis plutôt sensible à des artistes comme Rosalía. Sa fraîcheur et son énergie sont contagieuses. Donc j’envisage la musique dans toute sa diversité, et les fusions peuvent opérer lorsque l’alchimie prend. J’aime le raï, mais je suis bien sûr attiré par d’autres genres. J’aimerais par exemple faire un duo piano-voix, retrouver quelque chose d’épuré, de fragile. Plus j’avance en fait, et plus j’ai envie de prendre des risques, de ressentir les choses avec une intensité croissante. Je ne suis plus aussi impulsif qu’avant. J’ai besoin de réfléchir, d’être porté par un projet. Un jour, alors que j’étais épuisé par la tournée, j’ai écouté Chopin dans le camion. Et j’ai ressenti tout autant l’envie de dormir que l’émotion éprouvée grâce à la musique, et qui me tenait malgré moi éveillé. C’est ce que je recherche aussi, cette puissance du son : provoquer un vrai truc en l’autre au point qu’il reste à l’écoute alors qu’il tombe de sommeil.

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait? 

Je rêverais de jouer avec Camarón de La Isla, qui n’a jamais quitté mon coeur. J’admire sa façon de chanter. Je lui aurais montré un certain flamenco oranais. Est-ce qu’il ressentirait que ça fait partie de son histoire ? Je serais curieux de voir comment il entendrait cette musique, ce qu’elle lui évoquerait. On jouerait évidemment en Algérie, ma mère patrie.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

J’ai un souvenir incroyable à Plzeň, en République tchèque. J’étais malade, j’avais un gros rhume, j’ai  proposé à mon groupe de jouer sans moi tant je me sentais mal. Mais la salle était bondée de filles avec des talons qui résonnaient à tue-tête et un parfum envoûtant qui se dégageait de la foule. Ça criait si fort que je me suis repris. J’ai eu du mal à atteindre la scène tellement c’était la folie ! La chute du mur de Berlin était très récente, c’était une découverte de ce pays et de son peuple qui m’a beaucoup marqué.

Il y a un autre lieu que j’adore, c’est le Vauban, à Brest. Un vieux club de jazz. L’endroit idéal pour faire et écouter de la très très bonne musique.

Sofiane Saïdi & Mazalda, El Ndjoum; 2018 / Airfono
© Marion Bornaz
Ry Cooder remet à l’honneur le crooner cubain Ibrahim Ferrer

La voix du crooner de Cuba, feu Ibrahim Ferrer, sera de retour dans les bacs ce 28 février avec la réédition par le label World Circuit de son deuxième album solo Buenos Hermanos. Aux manettes de cette nouvelle jeunesse : le guitariste et producteur américain Ry Cooder, qui fut à l’origine du succès mondial du Buena Vista Social Club.

Ce projet ambitieux, qui a réuni des légendes du son cubain comme Compay Segundo ou Omara Portuondo, a reçu le Grammy Awards 1997 et s’est vendu à près de huit millions de copies dans le monde entier. Ibrahim Ferrer était l’une de ces étoiles oubliées.

Né à Santiago de Cuba en 1927, il se retrouve seul dès l’âge de douze ans et se met à vivre de petits boulots et de chant. Il collabore avec de nombreuses formations, dont celles de Benny Moré et Pacho Alonso, jusqu’au début des années 80 où il prend sa retraite, désabusé. Pour survivre, il cire des chaussures et vend des tickets de loterie. Mais en 1996 il est ramené sur le devant de la scène grâce au projet Afro Cuban All Stars : A Toda Cuba Le Gusta qui précède le triomphe du Buena Vista Social Club. Suivront deux albums solo qui concluront en beauté sa carrière de musicien, Buena Vista Social Club présents Ibrahim Ferrer, et Buenos Hermanos.

Ce dernier opus, sorti en 2003, se pare désormais de nouveaux atours. À l’origine de la première version, Ry Cooder a souhaité aujourd’hui rehausser cet écrin en y apportant des modifications qui le subliment. L’album a ainsi été remixé, remasterisé, et quatre titres inédits ont été ajoutés à l’ensemble dont l’enchainement de pistes a été naturellement repensé. Le disque gagne alors en amplitude, en puissance, et on découvre avec délectation les morceaux jusqu’alors inconnus d’un Ibrahim Ferrer plus romantique que jamais. On retrouve le boléro, cher à cette voix de velours,  avec les langoureux « Ojos Malvados » et « Mujer », deux hymnes à l’amour et aux émois qu’il peut provoquer. Mais le rythme effréné de « Me Voy Pa’ Sibanic » nous rappelle aussi que l’âge du « papi » cubain n’avait en rien altéré son enclin pour les danses endiablées. Quant à « Ven Conmigo Guajira », dans laquelle la guitare de Ry Cooder donne le la, elle revisite un standard de la chanson guajira cubaine avec cuivres, claves, choeur, et autres éléments qui invitent à remonter le temps pour interpréter une danse de salon tendance 2020. « La meilleure version que je n’ai jamais entendue », insiste Ry Cooder. Comptant de prodigieux talents cubains tels que le bassiste Orlando ‘Cachaíto’ Lopez ou le pianiste Chucho Valdés, cet album accueille des artistes plus inattendus comme les voix gospel des Blind Bloys of Alabama ou le trompettiste de musique ambient Jon Hassell.

Un disque aux couleurs sensibles de Cuba, terre de métissage et de fertilité, qui reflète l’harmonie née de ses fêlures et de son énergie contagieuse.

Ibrahim Ferrer, Buenos Hermanos (2020) ; World Circuit/BMG
3 questions à… Delgres (blues créole)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Delgres, c’est un trio hors norme, la fusion de trois vibrations qui enfantent une musique encore jamais entendue auparavant. Un blues créole au parfum de lutte qui côtoie la Louisiane et les Caraïbes. Avec leur album Mo Jodi, les trois complices ont tourné de par le monde et vécu « sur la route ». Après ce premier succès, ils entament actuellement l’enregistrement de leur second opus. À l’occasion de leur passage au Festival Musiques Métisses, nous avons rencontré ces aventuriers, impatients de poursuivre un chemin déjà si bien tracé.

« Mon rêve, ce serait que dure cette alchimie qu’on a, là,  avec Delgres. Ça m’a pris des années de trouver un truc pareil. »
(Pascal Danaë, chanteur et fondateur de Delgres)

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Pascal Danaë (guitare & voix) : J’ai grandi à Argenteuil, en région parisienne. Dans ma famille, on écoutait toutes sortes de musiques : kompa, Gwo Ka, rumba congolaise, salsa. Mon parrain, lui, s’intéressait essentiellement au rock britannique. On naviguait donc entre Célia Cruz, le Franco et l’OK jazz,  Germain Calixte, The Beatles, The Troggs et The Kings. Sans oublier les symphonies classiques et le jazz. Mes soeurs écoutaient James Brown et Aretha Franklin… Il y avait vraiment un foisonnement de styles très différents chez moi ! Mais un jour, mon goût pour la musique africaine a pris le pas sur le reste. Puis je suis parti vivre à Londres. Là-bas, j’ai renoué avec le rock de mon parrain et j’ai plongé dans le blues. Je dirais donc que mes proches ont énormément contribué au musicien que je suis aujourd’hui. Les artistes avec lesquels j’ai collaboré, comme Ayo ou Lokua Kanza, n’ont pas influencé de façon directe mon style mais ça a été une belle aventure d’être dans leur entourage. Ce sont des chanteurs qui ont une belle empreinte vocale, et ça a été instructif de voir comment ils abordaient la scène, l’avant et l’après concert.

Baptiste Brondy (batteur) : J’ai grandi aux alentours de Nantes. Mes influences musicales sont celles des groupes américains des années 90 comme Nirvana ou The Police, et le blues. Mon son s’est ensuite frotté aux rencontres que j’ai faites dans la vie, notamment au contact du groupe Lo’Jo avec lequel j’ai joué assez jeune et beaucoup voyagé. Quand tu t’entends bien avec les gens, ta musique change car tu développes ton écoute, et ainsi ta manière de jouer et de ressentir. C’est surtout ma vie de musicien qui m’a formé.

Rafgee (sousaphone & trompette) : J’ai grandi en banlieue parisienne, dans le 92, et chez moi on n’écoutait pas du tout de musique. J’ai néanmoins des souvenirs marquants, comme la musique du film Le grand bleu : j’écoutais la cassette en boucle ! Plus tard, j’ai autant apprécié Jamiroquai que des orchestres de musique classique, notamment l’Orchestre philharmonique de Vienne, porté par un chef d’exception tel que Leonard Bernstein, qui a un répertoire fabuleux. Delgres est quasiment ma première expérience de groupe. Avant cela, j’ai collaboré avec de nombreux orchestres. Je me limitais à reproduire le plus fidèlement possible les standards du son qu’on nous inculquait. Maintenant, je façonne un son personnel, avec l’humain au centre de tout : c’est une super ouverture !

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait ?

Pascal Danaë : Je crois que ce serait avec Delgres ! Bien sûr il y a des chanteurs que j’aime beaucoup, comme Francis Cabrel ou Jean-Louis Aubert, avec lequel on a fait un duo. Mais au fond, si tu me demandes vraiment quel est mon rêve, ce serait que dure cette alchimie qu’on a, là, avec Delgres. Ça m’a pris des années de trouver un truc pareil. J’ai la sensation que toutes les influences dont je te parlais tout à l’heure ont enfin trouvé une forme. Pendant longtemps, je me suis senti un peu paumé face à ma musique, alors qu’aujourd’hui je sais que tout ce qu’on fait a du sens. Donc mon rêve ce serait de continuer de jouer avec Baptiste et Rafgee, dans des festivals incroyables, qu’on puisse faire le tour du monde et partager notre musique avec le plus de gens possible. Si j’en avais l’occasion, j’aimerais quand même bien rencontrer l’Ensemble Les Arts Florissants (j’adore la musique baroque), tout autant que le rappeur Snoop Dogg. Et s’ils veulent bien jouer ensemble, je ferais un featuring avec les deux sans aucun problème, et nous au milieu : le rêve !

Baptiste Brondy: Moi aussi mon rêve ce serait de jouer avec Delgres mais cette fois dans une cale de bateau, au fond d’un rafiot allumé à la bougie qui ferait le tour du monde. À chaque escale, on récupèrerait des gens d’un pays différent qu’on emmènerait avec nous jusqu’à la prochaine étape. Ce ne serait alors jamais les mêmes concerts, le public changerait sans cesse. Notre bateau serait une sorte de taxi des mers. J’avoue cependant que j’ai rêvé de jouer avec pas mal d’artistes, j’ose à peine les citer… J’adore la musique folk. Je compose un peu et il y a très peu de batterie dans mes compositions car j’aime le côté soft des musiques et des arrangements. Norah Jones, Rickie Lee Jones ou Joni Mitchell sont des chanteuses qui transmettent des émotions avec très peu. J’aurais aimé jouer avec de telles artistes. Mais je me sens déjà extrêmement épanoui dans notre formation, donc je savoure chaque moment vécu ensemble.

Rafgee : Pour moi c’est un peu pareil : on s’est quand même bien trouvés ! Ce serait génial qu’on aille encore plus loin dans notre son, le rêve se construit et est toujours en cours. Sinon, quand j’étais plus jeune, j’aurais bien voulu jouer avec Prince, mais c’est loupé… Dans un autre registre, si par hasard je le croisais sur un festival, je serais ravi de jouer avec le trompettiste de jazz Wynton Marsalis.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

Pascal Danaë: J’ai un souvenir qui m’a marqué lors de notre tournée aux Etats-Unis en 2017. On est allés dans le Colorado, au Telluride Blues & Brews Festival, dans les montagnes. L’arrivée a été assez cauchemardesque, nos instruments ont été perdus par la compagnie aérienne, mais rapidement tout a été oublié car le lieu était incroyable. Le deuxième endroit que je ne risque pas d’oublier, c’est le désert californien du Joshua Tree Music Festival. La lumière était fantastique, on voyait les dunes à perte de vue, on a éprouvé un sentiment de liberté incroyable. Le lieu impose quelque chose, c’est tellement majestueux ! Quand les gens arrivent dans un espace pareil, ils sont comblés, ils demandent presque à la nature la permission d’être là. Tout le monde étant dans cet état d’esprit, les vibrations sont très très bonnes. En tant que musicien tu n’as qu’une envie, c’est de remercier l’univers et de tout donner pendant ton concert.

Baptiste Brondy : Mon plus beau souvenir c’est sans doute le premier concert qu’on a fait en Guadeloupe, en novembre 2018. On ne savait pas comment on allait être reçus, et Rafgee et moi, qui accompagnons le projet très personnel de Pascal, avions une position particulière. Je ne parlais pas du tout créole au départ, j’aimais cette musique mais je n’y connaissais rien. Vivre cet engouement à travers Pascal et les gens qui nous ont accueillis de façon si chaleureuse a été une grande émotion. Et ça a créé un très beau concert. De façon plus générale, on entend de la très bonne musique au Womad car le monde entier s’y retrouve.

Rafgee : Pour ma part, je conseillerais vivement à tes lecteurs d’aller à la Nouvelle Orléans. Je suis un cuivre, c’est là-bas qu’historiquement le jazz est né, et cette tradition très puissante est toujours extrêmement présente là-bas. On a la chance d’y avoir passé une semaine ensemble avec Delgres. En tant que touriste, c’est fantastique ! Il y a une multitude de lieux à découvrir et des musiciens exceptionnels un peu partout dans la ville.

Delgres, Mo Jodi (2018) / Jazz Village
©Mélanie Elbaz
3 questions à… Muthoni Drummer Queen (Kenya)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Nouvelle étoile de la scène urbaine kenyane, la ravageuse Muthoni Drummer Queen revient dans son troisième album explosif et engagé, She, sur les combats de femmes du quotidien. Remarquée aussi bien dans des festivals éclectiques comme les Trans Musicales de Rennes que sur les scènes world d’Africolor ou de Musiques Métisses, la jeune chanteuse n’en finit pas de mettre le feu aux poudres avec une tournée qui compte de nombreuses dates dans l’Hexagone. Malicieuse, fougueuse et joyeuse, elle a pris le large le temps d’une discussion avec Hit the road.

« Je rêverais d’organiser une rencontre avec Fena Gitu, une rappeuse kenyane, et Juls, un DJ ghanéen. Ce serait un trio de feu : l’Afrique d’aujourd’hui !  »

 

Qui t’a le plus influencée musicalement durant ton parcours?

J’ai grandi à Nairobi, la capitale du Kenya, où je vis toujours. Les grandes personnalités africaines et féministes ont forgé mon caractère : mes grands modèles sont des femmes de lutte et de courage, comme Maya Angelou ou Winnie Mandela, je me suis identifiée à elles et je partage leurs combats. Musicalement, j’ai toujours écouté des chanteuses venues du Continent, avec des légendes comme la sud-africaine Yvonne Chaka Chaka, mais les Etats-Unis ont parallèlement été une grande source d’inspiration. Lauryn Hill et Missy Elliott sont vraiment mes grandes favorites. Elles ont, comme moi, l’envie de mélanger ce groove afro de la voix à la modernité du rythme. J’aime l’idée de développer un son urbain issu de mes racines africaines.

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait ?

Si je pouvais collaborer avec une artiste, ce serait Fena Gitu, une rappeuse kenyane « fenaménale » ! N’importe où dans le monde, ça m’irait, pourvu que je sois sur scène avec elle. Et, s’il était vivant, on pourrait la partager avec Prince ! On se retrouverait en pleine nature plutôt qu’à New York. On ferait une croisière et on jouerait ensemble par-delà les mers.… C’est un rêve fou ! En revanche, un souhait plus réaliste serait d’organiser une rencontre avec Fena et Juls, un DJ ghanéen. Ce serait un trio de feu : l’Afrique d’aujourd’hui ! On serait accueillis en résidence dans un château, et on finirait par un énorme concert… gratuit évidemment ! 

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

J’ai vu un concert incroyable de Oshun, un duo de chanteuses qui s’inspirent de la culture yoruba, dans un super club new yorkais dont j’ai oublié le nom. Il y avait une énergie dingue ! Mais pour ce qui est de ma terre-mère l’Afrique, je crois que si je devais conseiller un pays ce serait l’Ouganda : les gens écoutent du reggae et du dancehall importé, mais il y a aussi un vivier urbain, une vrai scène underground où se mêlent techno, électro et rap. Une musique qui regarde vers l’avenir.

Muthoni Drummer Queen, She (2018) / Yotanka Productions

3 questions à… Blick Bassy (Cameroun-France)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Chanteur au look et à la douceur vocale singuliers, Blick Bassy fait partie de ces artistes qui vous caressent le coeur. Ses mélodies, proches d’une pluie d’été, libèrent la fraîcheur et la légèreté d’un orage à peine passé. Après Akö (2015), un bijou de délicatesse signé chez les défricheurs No Format, son dernier album, 1958, est un hommage à Ruben Um Nyobè, leader indépendantiste camerounais exécuté par des militaires français. Invité de choix de l’édition 2019 du festival Musiques Métisses, il a évoqué, à travers ses chansons et une rencontre autour de son livre Le Moabi cinéma (2016), les espoirs d’une jeunesse africaine assoiffée d’avenir et les contraintes imposées par un Occident dominant. À l’occasion de ce week-end ensoleillé, il nous a parlé de son parcours, sa quête de sens et ses coups de coeur du moment…

« Nous vivons dans une société où le standard pré-établi nous pousse à étouffer celui ou celle que nous sommes réellement. »

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

J’ai grandi au Cameroun, à Yaoundé. J’ai eu la chance d’avoir des parents qui tenaient à ce que nous ayons une éducation traditionnelle. Nous étions vingt-et-un frères et soeurs, et nous passions toutes nos vacances au village : les garçons travaillaient les champs de plantain, et les filles, ceux d’arachide. Cela m’a amené à créer un vrai lien avec la terre qui m’abritait. Après mon bac, alors  que j’avais obtenu une bourse qui m’aurait permis d’aller étudier aux Etats-Unis, au Canada ou en Angleterre, j’ai décidé de rester au Cameroun pour y faire de la musique. J’ai créé mon premier groupe, Macase, avec lequel j’ai joué pendant près de dix ans, et qui a notamment reçu le prix RFI Musiques du Monde. Ensuite, j’ai décidé de venir m’installer en France où je séjourne depuis treize ans maintenant. C’est sans doute ma mère qui m’a d’abord transmis l’amour de la musique : elle chantait pour chaque événement, qu’il soit heureux ou malheureux. Artistiquement, les trois noms auxquels je pense spontanément sont Les Têtes Brûlées du Cameroun (un groupe mythique qui n’a malheureusement pas perduré), David Bowie et Prince, qui m’ont fait comprendre que ce que nous avons à donner, à échanger, c’est tout simplement la singularité de ce que nous sommes. Nous avons la chance, en tant qu’être humain, d’être unique, mais nous vivons dans une société où le standard pré-établi nous pousse à étouffer celui ou celle que nous sommes réellement. À partir du moment où l’on arrive à faire un travail sur soi au quotidien, à s’émanciper de tout cela, on commence enfin à vivre et à avancer un tout petit peu vers son couloir de liberté. Et je remercie ces grands artistes car ils m’ont permis de me comprendre et de me poser les vraies questions concernant la musique, mon métier. Je prends du plaisir sur scène mais ce n’est pas tout. J’essaie d’appliquer musicalement ce que je suis intimement : un Camerounais qui est né et a grandi au pays, qui vit en France depuis quelques années mais passe son temps à courir le  monde à la rencontre d’autres cultures, et qui essaie de redéfinir une perspective par rapport à tout cela. Si l’on y prête attention, on s’aperçoit par exemple qu’on ne trouve quasiment pas d’instrument percussif dans mes morceaux car pour moi le rythme peut être porté par une langue, un instrument harmonique ou mélodique. Cette touche musicale correspond à ma démarche personnelle de vie.
Mes goûts restent néanmoins assez éclectiques. En ce moment, j’écoute beaucoup RY X, une jeune chanteuse qui s’appelle Billie Eilish, James Blake, et quelques sons urbains venus du Nigéria dans le style de Flavour.

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait ?

L’artiste avec lequel j’aurais aimé jouer c’est sans hésiter Michael Jackson, qui était une vedette incroyable et d’une grande sensibilité. Mais là où je rêve de jouer, et ça, c’est réalisable, c’est tout simplement dans tous ces villages du Cameroun où les gens n’ont même pas d’électricité, où ils n’ont jamais vu de concert de leur vie. Je voudrais faire des scènes là-bas pour leur faire ressentir  cette magie que peut distiller la musique.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

Le Congo est un pays qui m’a laissé un souvenir musical intense. Les gens font de la musique avec uniquement l’énergie et les vibrations qui les habitent. À Kinshasa, la nuit, tu croises des gars dans la rue qui jouent divinement avec des instruments de bric et de broc, faits à la va-vite, et ce sont des moments d’une grande puissance. Le Brésil aussi est un lieu musical formidable. J’ai eu la  chance de participer à un carnaval et de jouer devant 200 000 personnes pendant sept jours avec des gens d’une générosité inimaginable, c’était une expérience vraiment dingue.

 

Blick Bassy, 1958 / No Format, Tôt ou Tard

3 questions à… Aziza Brahim (musique sahraouie)

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D’un regard, d’un sourire, Aziza Brahim vous dérobe au pavé parisien pour partager ses nuits étoilées, ses chemins sans nord ni sud et ses espoirs de paix. Figure emblématique de la lutte sahraouie, son chant du sable a fait halte le temps d’une soirée au Pan Piper, à Paris, pour disperser un élixir libre et confiant dans le coeur du public venu nombreux pour l’applaudir.
Quelques heures avant, elle contait à Hit the road ses mirages d’enfant surgis à l’ombre d’un abri de fortune.

« Je n’aurais jamais imaginé que ma musique puisse s’éloigner des frontières du camp de réfugiés où j’ai grandi. »

 

Qui t’a le plus influencée musicalement durant ton parcours?

Je suis née et j’ai grandi dans un camp de réfugiés vers Tindouf, au nord de l’Algérie. Ma plus grande inspiratrice a été ma grand-mère, qui fut un pilier essentiel dans mon parcours musical. Elle était l’une des poétesses les plus importantes du Sahara occidental, j’ai donc évolué dans une ambiance où les arts se mêlaient. Devenir musicienne a toujours été une vocation pour moi. Un jeu d’abord, pour s’amuser avec la voix, puisqu’on n’avait pas de jeux. Puis c’est devenu ma voie, un moyen de m’évader de l’environnement restreint du camp de réfugiés.
De nombreux artistes m’ont également accompagnée depuis l’enfance : des musiciens africains comme Ali Farka Touré ou Myriam Makeba, mais pas seulement. Mes oncles étudiaient en Algérie, et lorsqu’ils venaient nous rendre visite dans le camp, ils amenaient avec eux des morceaux arabes d’Oum Kalthoum, Kadhem Saher ou Baligh Hamdi, et du raï. Le chanteur que j’ai le plus écouté et chéri est sans doute Cheb Khaled.
Mon répertoire actuel part de mes racines sahraouies et de l’Afrique occidentale, et à partir des gammes de cette musique traditionnelle hassani je déroule le fil de mes influences sonores pour arriver à un autre son, plus proche du rock, du blues, ou du latin-jazz. Ma musique est aussi nomade que moi. Chaque lieu dans lequel j’ai vécu a façonné mon style. J’ai passé plus de huit ans à Cuba, alors que j’étais encore adolescente, il va sans dire que cette expérience m’a beaucoup changée, tant personnellement que musicalement. Le son  cubain me fait vibrer le coeur et l’esprit, je l’ai en moi aujourd’hui, il m’a indéniablement enrichie.
Si je devais définir ma musique, je dirais qu’elle est engagée, mais qu’elle s’adresse avant tout aux gens, qu’elle vit pour être entendue. 

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait ?

Il y a tant d’artistes avec lesquels j’aimerais collaborer… Je rêverais par exemple de travailler avec Salif Keïta, que j’admire énormément, ou Tiken Jah Fakoly. Où cela ? Là où la vie me le permettrait. Je ne suis pas de nature exigeante. C’est déjà si fort pour moi de jouer ici ce soir à Paris, au Pan Piper. Je n’aurais jamais imaginé que ma musique puisse s’éloigner des frontières du camp de réfugiés où j’ai grandi. Que les gens du monde entier l’écoutent, qu’on me donne l’opportunité de jouer dans des festivals, des théâtres, des salles de concert, et que des journalistes m’interviewent, c’est une reconnaissance à laquelle je ne me serais jamais attendue ! Et je ressens déjà beaucoup de gratitude pour cela.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

Je pense immédiatement à « El lokal », à Zürich. C’est un endroit incroyable, alternatif, où l’on trouve un large panel de styles musicaux. Ils programment beaucoup de world music, mais pas uniquement, ils sont très ouverts. Les personnes qui gèrent le lieu sont adorables, le public est accueillant, généreux, et interagit avec la scène. C’est formidable de jouer là-bas, et d’y tendre l’oreille.

Aziza Brahim, nouvel album à paraître en 2019
© Ana Valiño
3 questions à… Omar Sosa & Yilian Cañizares (Cuba)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Omar Sosa et Yilian Cañizares sont tous deux nés sur l’île de Cuba mais jouent aujourd’hui à Paris : l’inspirant pianiste jazz, improvisateur de génie, rencontre la jeune chanteuse-violoniste et créent, ensemble, Aguas, un opus aérien à la moiteur caribéenne, cocktail rafraîchissant au parfum afro-classico-jazz. Ils ont distillé leur spiritualité contagieuse sur la scène du Bal Blomet en novembre dernier, et nous ont confié quelques secrets de leur élixir…

« Je n’ai pas eu besoin d’avoir des musiciens dans ma famille, Cuba est une grande famille de musiciens. »
(Omar Sosa)

« La Havane ne laisse personne indifférent, elle est pleine de paradoxes, de beautés cachées… » (Yilian Cañizares)

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Omar Sosa : Je suis né à Camagüez (Cuba) en 1965. Mon père était un grand fan de Nat King Cole, j’ai grandi avec Mona Lisa dans les oreilles. Il n’y avait pas de musiciens dans ma famille, ce qui a permis qu’on n’ait pas d’attentes particulières vis-à-vis de ma carrière, mais la musique est venue à moi car chaque dimanche, mon père organisait une fête à la maison et passait des disques tout au long de la journée. J’ai toujours écouté beaucoup de musique, depuis l’enfance. À Cuba, il n’y a que que deux chaînes de télévision, donc on sort, on s’intéresse davantage au live. Pendant le carnaval, il y a une quantité inouïe de groupes dans la rue, célèbres ou non. La musique fait partie de notre culture. En France, tu dois aller dans une salle de concert, tu paies ta place… ce n’est pas le cas là-bas. La musique populaire se produit tous les ans dans chaque village cubain, et tout est gratuit. J’ai eu la chance de voir Chappottín, l’Orquesta Aragón, Enrique Jorrín, Irakere, Los Van Van, Juan Pablo Torres… tous nos maîtres ! J’étais encore un adolescent. Alors bien sûr ils ont eu un impact sur mon style. Je n’ai pas eu besoin d’avoir des musiciens dans ma famille, Cuba est une grande famille de musiciens. Mes grandes influences on été la rumba cubaine, et les groupes Irakere, Opus 13 et Afrocuba. Ils jouent du jazz de façon unique sur les bases de la musique traditionnelle afrocubaine. Rubén Gonzáles a été l’un de mes professeurs. Ils ont créé avec Enrique Jorrín le rythme appelé Cha-cha-cha. Je l’utilise dans chacun de mes disques. C’est un tempo merveilleux à danser, et populaire dans le monde entier. J’ai été également très inspiré par la musique classique : Chopin, Satie, Debussy, Ravel, Stravinsky. Tous ces compositeurs m’ont été enseignés car ils font partie du programme de l’école de musique cubaine. C’est pour cette raison que notre son est un mix entre Afrique, Amérique, et musique classique européenne. À mon époque, au conservatoire, les techniques étaient très rigides, elles étaient employées par des enseignants russes communistes, excellents par ailleurs, mais qui ne rigolaient pas avec les règles. C’est ce qui a rendu le son cubain si puissant par moments, à l’image d’un monument soviétique ! Le programme d’études a changé quand les communistes sont arrivés au pouvoir, avant cela, la musique était très influencée par les impressionnistes français. On étudiait uniquement les grands maîtres classiques, la musique populaire se croisait  dans la rue, elle était bannie des écoles. Le jazz était l’écho des américains, donc des ennemis. Un des premiers jazzmen que j’ai écouté a été Oscar Peterson. L’un de mes amis était membre de l’Orquesta Aragón. Comme c’était un groupe cubain très connu, il a eu la chance de sortir de l’île et de voyager à travers le monde lorsqu’ils partait en tournée. Il a alors pu découvrir d’autres sonorités. L’autre moyen que nous avions trouvé pour satisfaire notre curiosité était une petite radio, Onda FM. Vers minuit, nous écoutions la fréquence de Miami qui programmait du jazz. Nous ne manquions pas d’imagination : nous avons par exemple créé, avec quelques amis, la première radio jazz à l’école, elle a émis pendant deux ans et demi. Nous collections des cassettes audio, et tous les matins, entre 6 et 7h, on passait des morceaux de Oscar Peterson, Weather Report, Yellow Jacket, Thelonious Monk… on l’avait appelée Radio Base.
Aujourd’hui, avec les nouveaux moyens de communication, les jeunes musiciens cubains ont accès aux livres, à l’écoute en streaming, etc., mais c’est très récent.
Yilian Cañizares : Je suis sans doute une représentante de cette jeunesse cubaine… Je suis née à La Havane. J’ai grandi en écoutant beaucoup de styles différents : musique classique, jazz, musique traditionnelle cubaine. Ma mère m’a toujours dit que petite, chaque fois que j’allais à un concert, je ne tenais pas en place, j’avais envie de jouer, de chanter, d’être sur scène moi aussi. Un jour, elle s’est décidée à m’emmener chez une dame qui faisait jouer un groupe d’enfants en lui demandant de tester mes qualités de musicienne. Et quand j’ai fini de chanter, la dame lui a dit que j’avais raison, que c’était ma voie. J’ai commencé grâce à elle. Artistiquement, les musiciens qui m’ont le plus influencée sont sans doute Chucho Valdés, notre maître à tous, Omar Sosa, avec qui j’ai la chance de travailler aujourd’hui, et, même si je l’ai découvert beaucoup plus tard, Stéphane Grappelli, qui a indéniablement changé ma façon de jouer du violon. En ce qui concerne les chanteuses, je pense instinctivement à Omara Portuondo, et aussi Nina Simone, pour ce qu’elle représente, pour son engagement, son combat.

 

Si tu pouvais jouer avec n’importe qui n’importe où, avec qui et où est-ce que ce serait ?

Omar Sosa : Un de mes rêves aurait été d’assister à une fête chez la baronne de Pannonica, sans même y jouer, j’aurais aimer y être, juste pour regarder. Ç’aurait été l’une des plus grandes masterclass que j’aurais pu vivre. Regarder tous ces maîtres du jazz réunis (Charlie Parker, Thelonious Monk, Charles Mingus…), et les écouter, les observer, sentir la façon dont ils communiquent les uns entre les autres.
Yilian Cañizares: J’ai beaucoup de rêves qui se réalisent en ce moment. Ce soir je joue avec Omar, il y a 15 jours j’ai joué avec Chucho Valdés. Mais si j’avais pu, j’aurais vu Nina Simone sur scène, et peut-être encore plus Miles Davis. Il avait une façon étonnante de ne pas avoir peur de se transformer, de renaitre chaque fois à lui-même, un peu comme un papillon, de se moquer de ce que les autres attendaient de lui… J’aurais aimé capter cette énergie-là.

 

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

Omar Sosa: La Philharmonie de l’Elbe, à Hambourg. Chaque personne sur cette planète devrait pouvoir y aller au moins une fois dans sa vie. Et toi aussi : tu dois y aller ! L’architecture de ce lieu est phénoménale, le son y est incroyable, et l’énergie qui s’en dégage l’est tout autant.
Yilian Cañizares : Il y a beaucoup de lieux marquants, mais je ne peux pas ne pas évoquer La Havane, ma ville de coeur. Elle ne laisse personne indifférent, elle est pleine de paradoxes, de beautés cachées, mais il faut avoir la chance de la découvrir en-dehors des clichés. Et j’espère qu’elle pourra préserver son authenticité malgré la montée du tourisme. L’ouverture de Cuba est une chose formidable, mais un peu terrifiante aussi.

 

Omar Sosa & Yilian Cañizares, Aguas; 2018, Ota Records
@ Franck Socha
3 questions à… Vincent Ségal

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

À l’occasion du concert donné par Lionel Suarez et son Quarteto Gardel au Centre des Bords de Marne, envoyé par nos confrères de Couleurs Jazz, Hit the road a pu recueillir les confidences de chacun des quatre complices qui le composent. 

Volet 2 : Vincent Ségal…

Il est de toutes les expériences sensorielles : décoiffante avec son complice Cyril Atef (Bumcello), apaisée avec le joueur de kora Ballaké Sissoko, transversale avec le rappeur Oxmo Puccino… Ce serait trop long de citer les collaborations auxquelles a participé l’incontournable violoncelliste Vincent Ségal qui s’avère être aussi discret que loquace, nomade d’esprit mais casanier de coeur. Les yeux fermés, l’archet à la main, il semble pourtant nous esquisser la route et nous convier à ce rendez-vous de tendresse et de soleils mouillés. 

« On vit tous dans une grande solitude, les sensations que provoquent la musique ou l’amour permettent d’y échapper… »

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours? 

Je suis né à Reims, en Champagne. Je me souviens d’avoir écouté dès tout petit des disques de musique classique : Stravinsky, Bartók… Mais mes premiers souvenirs de musique jouée remontent à l’époque du cours préparatoire au conservatoire, avec mon premier professeur de violoncelle qui a marqué toute ma vie. Si je suis musicien c’est grâce à lui et à ma famille. À la différence de nombreux artistes que je connais, je ne suis pas issu d’une lignée de musiciens mais mes parents m’emmenaient souvent voir des concerts. Et cet amour pour la musique m’a poussé à  jouer des styles assez variés un peu partout. À l’instar d’un Claude Lévi Strauss, je hais les voyages mais j’aime l’histoire humaine. Quand je suis en tournée, je me déplace essentiellement  dans les rues autour de l’hôtel où je dors. Je suis un amateur des coins de rue, j’essaie de trouver ce qu’il y a de plus intéressant à deux pas de là où je suis. Mais en réalité je m’évade grâce à la musique, grâce aux voyages intérieurs qu’elle procure, à l’opportunité qu’elle offre de pénétrer l’esprit des personnes avec lesquelles je joue. On vit tous dans une grande solitude, les sensations que provoquent la musique ou l’amour permettent d’y échapper… c’est plus fort que les drogues ! C’est pour ça que je voyage : pour les rencontres musicales qui parsèment le chemin, pour l’histoire qui se raconte alors même que l’on joue, pour cette intimité-là. J’aime regarder l’excès que déclenche la joie d’une musique, mais à distance. Le Carnaval de Récife par exemple est fascinant, mais dans une telle ambiance je préfère rester un peu à l’écart. Il y a une sorte de folie orgiaque des sens et des sons qui se déploie, c’est magnifique mais c’est trop pour moi, je n’ai pas envie de sonner faux là-dedans. Un jour, à Bamako, dans la rue où vivent mes amis Ballaké Cissolo et Toumani Diabaté, j’ai assisté à un mariage familial. Tous les griots de la ville sont venus. C’était tellement puissant ! Je suis allé me cacher sur le toit et j’ai regardé ça de très loin. Je n’en croyais pas mes yeux… ni mes oreilles !

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer? 

L’hiver dernier on a joué au Wigmore Hall à Londres, en duo avec Airelle Besson, je rêvais d’y aller car c’est un lieu unique pour la musique de chambre, c’était une expérience inoubliable ! Tous les grands violoncellistes, comme Rostropovitch, y ont joué. Mais aujourd’hui, je ne sais pas. J’ai eu la chance de me produire dans des salles de rock emblématiques où ont pu jouer des dieux comme Hendrix, j’ai été au Festival Jazzmania au Brésil, dans des lieux mythiques de la culture Hip hop… J’ai joué dans tellement d’endroits historiques que je suis conscient que ce sont avant tout les gens qui font la beauté du moment. Pour autant, il y a des lieux qui te marquent à jamais. J’ai eu notamment un trac monumental les première fois où j’ai joué au New Morning. J’y avais entendu tellement de bons musiciens que ça  m’angoissait terriblement de leur emboîter le pas ! Chet Baker, Bootsy Collins, Steve Coleman, Bill Frisell… se retrouver sur la même scène qu’eux, ça secoue !

Mon rêve de voyage maintenant ce serait de faire de l’escalade dans la montagne, ou du cheval, peut-être comme Maurice Baquet qui skiait avec son violoncelle dans le dos. Il faudrait juste que je fasse attention à ne pas casser le mien, parce qu’à part la musique, je ne sais rien faire…

As-tu un lieu musical coup de coeur à faire découvrir à nos lecteurs? 

J’aurais tendance à dire que la meilleure musique se trouve dans les endroits où les gens ne sont pas encore trop avachis devant leur télé ou leur ordinateur, donc quand tu vas dans les zones forestières du Gabon, tu peux rencontrer des musiciens d’exception. En Inde aussi, si c’est ton anniversaire, tu payes des musiciens de rue pour te jouer quelque chose, un peu comme nos anciens troubadours, et crois-moi c’est impressionnant ! On jouait comme ça partout à l’époque en fait. À Paris, quand il n’y avait encore ni internet ni télévision, on allait dans les cafés le soir et il y avait toujours des musiciens, au moins un accordéoniste, un violoniste, un chanteur, ou un orchestre quand c’était un café bourgeois. Il y avait même un musicien dans les salons de coiffure, pour attirer les clients ! Aujourd’hui tout ça n’existe plus. C’est à peine si on siffle encore. Donc les lieux musicaux sont pour moi des pays comme l’Inde ou dans des villes comme Naples, où les gens chantent toujours dans la rue.

3 questions à… Mélissa Laveaux

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Avec son dernier opus Radyo Siwèl paru chez l’excellent label No Format, la chanteuse canadienne Mélissa Laveaux puise aux sources de son Haïti originelle en ravivant des joyaux oubliés de ce patrimoine. Des chants de résistance, des mélodies caribéennes, qui explorent la période coloniale américaine du début du XXème siècle, avec une lumière et une profondeur contagieuses. 
À l’issue d’un showcase de présentation à la Fnac, nous avons échangé avec cette songwriter aussi audacieuse que pétillante.  

« Entre moi et le Ghana, c’est une petite histoire d’amour… C’est le premier pays où les gens ont cru que je leur appartenais. »

 

Qui t’a le plus influencée musicalement durant ton parcours? 

Les chanteuse afro-américaines Aretha Franklin et Nina Simone. Il y a des performances de chacune d’entre elles où on les voit entièrement consumées par leur musique. Je pense notamment à un concert suédois (rare) d’Aretha où elle chante « Dr. Feelgood », et où on sent qu’elle donne vraiment tout. Elle joue beaucoup avec les nuances, il y a du relief. Et il y a la voix…

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer? 

Je rêverais de jouer à Fuji Rock, parce que ce festival est génial, et surtout parce que j’adore jouer au Japon. Les journalistes là-bas semblent toujours plus pointus, ils sont spécialisés dans un genre musical bien précis. De façon générale, les japonais écoutent et connaissent énormément de styles de musiques différents. J’ai toujours des conversations folles sur le whisky et les fantômes avec eux ! J’aimerais aussi aller au Chale Wote à Accra, au Ghana. C’est un festival artistique multi-disciplinaire incroyable où les artistes se rencontrent et produisent des choses extraordinaires sur des périodes très courtes. Ajoutons à ça qu’entre moi et le Ghana, c’est une petite histoire d’amour… C’est le premier pays où les gens ont cru que je leur appartenais.

As-tu un lieu musical coup de coeur à faire découvrir à nos lecteurs? 

Sans hésiter, un événement me vient à l’esprit : le Blockorama de Toronto qui a lieu chaque été lors de la Gay Pride. C’est le cortège afro-descendants de la marche de la fierté LGBTQ qui organise cette block party exceptionnelle. On y trouve d’excellents DJs, l’atmosphère afro-antillaise du carnaval de Notting Hill, la Block Party de Dave Chappelle, et de la super cuisine ! Je suis toujours aux anges.

Mélissa Laveaux, Radyo Siwèl; 2018, No Format
© Romain Staros Staropoli
3 questions à… Seun Kuti (Afro-beat)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Benjamin du roi de l’afro-beat Fela Anikulapo Kuti, le félin Seun Kuti est en tournée avec le groupe mythique de son père, Egypt 80, pour son nouvel album Black times, un disque contestataire et bourré d’énergie. Avant son passage au Bataclan, nous avons pu le croiser un dimanche au Mob Hôtel après un concert intimiste à l’atmosphère caribéenne… 

« J’adore les endroits où l’on trouve des communautés latino-américaines. Ce sont les adresses idéales pour découvrir une musique libre. »

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

J’ai grandi à Lagos, au Nigeria, dans la maison de mon père qu’il considérait comme une république indépendante : Kalakuta Republik. J’ai toujours été entouré de musique, il a sans aucun doute été ma plus grande influence. On écoutait essentiellement de la musique africaine chez nous. J’ai, depuis, toujours aimé la musique des diasporas.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

Je voudrais jouer dans mon propre club. J’ai l’intention d’en construire un à Lagos. C’est pour l’instant un lieu imaginaire mais c’est le prochain investissement immobilier que je ferai. J’ai hâte de concrétiser ce projet.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

J’adore les endroits où l’on trouve des communautés latino-américaines. Que ce soit à Paris ou à New York, ce sont toujours les lieux plus festifs, on y mange bien, la musique est excellente : salsa, samba, latin-jazz, merengue… J’ai même entendu du tango une fois à New York, vers  Lower East Side. Ce sont les adresses idéales pour découvrir une musique libre.

Seun Kuti & Egypt 80, Black Times; 2018, Strut
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