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3 questions à… Arto Lindsay (Brésil-USA)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

En tournée européenne pour l’album Cuidado madame, qui marque son retour en studio 13 ans après le précédent Salt, il a régalé le public parisien d’un concert mémorable dans la chaleur moite d’une Bellevilloise insatiable. Nous l’avons croisé le lendemain, entre deux émissions de radio, le temps de quelques mots au goût de cachaça et de sazerac.

« Étant guitariste, c’est sans doute Jimi Hendricks qui a eu le plus d’impact sur moi »

Bruitiste, hédoniste, guitariste : Arto Lindsay est tout cela à la fois. Inclassable et insaisissable, cet ancien membre du Lounge Lizards a roulé sa bosse sur les chemins escarpés d’une scène musicale hétéroclite en collaborant avec des artistes de tous horizons, de Marisa monte à David Byrne en passant par Alain Bashung ou Ryuichi Sakamoto.

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

J’ai grandi dans l’État de Pernambuco, dans le Nordeste brésilien, mais plus que les musiques de cette région, comme le forró, je dirais qu’étant guitariste c’est sans doute Jimmy Hendricks qui a eu le plus d’impact sur moi musicalement. Dans un autre registre, j’ai également été influencé par ma mère. Elle jouait merveilleusement bien du piano et aimait écouter des disques. Elle avait une collection de vinyles  qui allait de la bossa nova de Joâo Gilberto au jazz de crooners comme Nat King Cole. Tous ces artistes ont éveillé ma curiosité auditive.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

Je crois qu’aujourd’hui, j’irais jouer à la Philharmonie de Berlin, cette bâtisse incroyable en plein coeur de la capitale. C’est un lieu magnifique, qui m’inspire alors que je ne l’ai encore vu qu’en photo !

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

J’affectionne les endroits où la musique est vraiment présente et fait partie du quotidien, où les gens jouent partout : dans la rue, dans les cafés, chez eux avec la fenêtre ouverte… Donc je conseille des lieux comme Salvador de Bahia, au Brésil, ou la Nouvelle-Orléans, en Louisiane. La ville devient musique.

3 questions à… Flavia Coelho (brésil)

 « 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves  confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

« Paris réunit tout ce que j’aime en matière de musique. »

Flavia Coelho était au grand rendez-vous de la Fête de l’Humanité le week-end dernier, parée de son large sourire et de ses boucles colorées. Actuellement en tournée avec son troisième album Sonho Real, joyau festif aux mélodies teintées autant de forró brésilien que de reggae ou de ska, la pétillante Flavia s’est livrée à Hit the road lors d’une nuit estivale aux Soirées du Château. Après un show spectaculaire à l’énergie contagieuse, elle nous a dévoilé des pensées plus intimes, sous le ciel étoilé de ce village provençal devenu Gréoux-de-Janeiro pour l’occasion…

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Je suis née à Rio de Janeiro, et j’ai grandi au Brésil tout en voyageant un peu partout. Mes parents viennent  du Nordeste du Brésil, une région très riche en ce qui concerne l’artisanat et la musique.  Donc mes plus grandes influences restent ces deux régions. Rio de Janeiro m’a plongée dans le  hip hop, la samba ou le funk, et le Nordeste m’a fait découvrir la musique qu’écoutait mes parents : des maîtres comme Gilberto Gil, Caetano Veloso, Joâo Gilberto, les genres du choro et du forrò, mais aussi beaucoup de reggae car ma mère vient d’une île où dans les années 70 la radio ne passait presque que des morceaux jamaïcains. À mon arrivée en France, mes oreilles se sont instinctivement nourries de sonorités venues d’Afrique, des Balkans, d’Orient… le voyage se poursuit sans cesse.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

J’aimerais vraiment jouer chez moi, au Brésil. J’y ai joué à l’occasion des Jeux Olympiques, à la Maison de France, il y avait quelques brésiliens mais c’était quand même majoritairement un public français qui assistait à l’évènement. Je n’ai pas eu le temps de développer mon projet là-bas, donc ça me plairait de le faire découvrir aux miens. Je n’oublie pas que je chante en portugais, et que je m’adresse aussi à eux. Et si vraiment ce rêve pouvait devenir réalité, je choisirais de jouer dans un grand stade au coeur de Rio !

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

Je suis très citadine, et pour moi Paris réunit tout ce que j’aime en matière de musique. C’est pour ça que je m’y suis installée d’ailleurs, il y a une diaspora extraordinaire ici ! C’est cette diversité qui m’a amenée ici, cette magie de pouvoir se retrouver au fin fond de l’Afrique dans son propre quartier. C’est merveilleux de pouvoir écouter de vrais griots du Mali, d’écouter du vrai mbalax sénégalais, d’écouter de la cumbia made from Colombie… on trouve toutes ces musiques à Paris. Donc je conseille aux lecteurs de Hit the road qui n’ont pas forcément les moyens d’aller très loin de se balader dans Paris, c’est le lieu idéal. Et pour un petit conseil de quartier, je vais souvent au  Café des Sports à Ménilmontant (c’est quasiment mon QG), un bar tout simple qui ne paye pas de mines et où pourtant s’improvisent des soirées jams terribles !

Flavia Coelho, Sonho Real; 2017, PIAS
@Youri Lenquette
3 questions à … Jowee Omicil (jazz nomade)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves  confessions sur son rapport au voyage et à la musique. Jazzman originaire d’Haïti, le pétillant Jowee Omicil a grandi à Montréal avant de s’installer à New York puis à Miami. Mais c’est dans le XVIIIème arrondissement de Paris, où il a élu domicile depuis peu, que nous l’avons rencontré fin juillet.

« J’aimerais aller jouer en orbite, dans l’espace ! »

Multi-instrumentiste à l’enthousiasme communicatif, Jowee Omicil a sorti Let’s Bash sur le prestigieux label Jazz Village, album enregistré en moins d’une semaine et sur lequel il s’amuse à reprendre des airs célèbres (« Sur le pont d’Avignon », « La Bohème ») autant que des pépites méconnues telles le chaloupé « Pipillita »emprunté au cap-verdien Luis Morais
Il sera le 3 septembre prochain sur la scène du Festival Jazz à la Villette

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Je suis né à Montréal le 1er décembre 1977. Quand j’étais tout petit, j’écoutais les chanteurs qui passaient à la radio : René Simard, Ginette Reno, Céline Dion, Charles Aznavour, Jacques Brel, Nana Mouskouri… Puis a suivi la période Jackson Five, vers 6 ans, et la découverte du hip hop vers 9-10 ans : Run DMC, Busta Rhymes, A Tribe Called Quest, Public Enemy… En 1995, j’ai découvert Black Science de Steve Coleman : je me sentais planer, comme sur un tapis volant ! Il y a eu aussi Tutu, de Miles Davis et Marcus Miller… une vraie claque.

Mais ma plus grand influence, dans tous les domaines de la vie, a été mon père. En tant que pasteur, il voulait que j’apprenne à jouer d’un instrument pour accompagner l’assemblée. C’est comme ça que j’ai commencé à faire de la musique, à 15 ans. Tard pour un musicien. Jusque-là, j’étais passionné de sport. Je jouais au ping pong, au baseball, au hockey sur glace… j’écoutais du hip hop pendant ces activités, ça me motivait. Je n’avais pas encore compris que la musique était en moi. J’ai d’abord été tenté par le piano, mais pour l’harmonie de l’ensemble je devais choisir un instrument à vents. J’ai opté pour le saxophone alto, puis deux-trois ans plus tard mon frère m’a offert un saxophone soprano. J’adorais Kenny G à l’époque, je n’en ai pas honte. Je faisais plein de reprises de ses morceaux, pour des mariages, des communions, tous types d’évènements. Et par la suite, j’ai découvert Wayne Shorter, John Coltrane… je ne m’étais pas rendu compte avant de le pratiquer qu’ils jouaient eux aussi du soprano. Progressivement, d’année en année, je me suis mis à la flûte, à la clarinette, et à la trompette.

Au fond, ta musique c’est ton expérience. J’ai transposé ce que m’a transmis mon père dans ma musique : son comportement, son éducation, ses mots, ses consignes, ses conseils… Ce que tu es sort de ton souffle. Tes adversités, ton vécu, tes peines, tes joies… tout cela se révèle dans ton son, si tu es honnête. C’est pour ça que j’ai choisi le jazz. J’ai commencé avec la musique classique, mais encore aujourd’hui, si je reprends du Bach ou la 40ème symphonie de Mozart, c’est toujours jazzifié. J’aime leurs mélodies, mais le groove que j’entends est différent. Un musicien comme Mozart a clairement tracé la route pour des gens comme moi. Il nous propose une mélodie qui dérange, et on doit faire notre truc avec. Et le jazz est la seule langue qui offre une totale liberté d’expression.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

C’est quelque chose que je dis souvent en privé, mais aujourd’hui je vais l’avouer publiquement : j’aimerais aller jouer en orbite, dans l’espace. Une expérience : « Jowee in orbit » ! Ce serait complètement global. Tout le monde pourrait écouter ce son-là à ce moment précis ! Chaque fois que j’en parle, je fais le voyage, et je sais qu’un jour je le ferai vraiment. Ce sera une mission d’amour spatial. Réunir tout le monde en un seul accord. Là on pourra dire : « on est ensemble, en cet instant-là on s’est vraiment aimés les uns les autres».

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

Beaucoup de lieux m’ont touché durant ma carrière : le Cap-Vert, le Vénézuela, Haïti, Montréal… Mais un moment qui m’a réellement marqué, c’est le concert que l’on a fait le 22 juillet dans la basilique de Tabarka, en Tunisie, à l’occasion du Tabarka Jazz Festival. Je n’ai jamais vu pareille audience : 4000 personnes avec une énergie incroyable, à l’image d’un concert de rock ! J’aime vivre l’instant présent, donc le dernier concert en date est toujours le meilleur. Le prochain est à Mindelo, au Cap-Vert. Si tu me reposes la question le 6 août, ma réponse sera Mindelo. Si tu me la reposes le 16 août, ce sera la Martinique, car tout va toujours en évoluant. La passion doit m’aider à me surpasser à chaque fois. Je me rends accessible en tant qu’instrument, en tant que passeur de sons, l’endroit où je joue n’a pas d’importance. Chaque situation est unique. Chaque fois que je me mets à jouer devant un public, mon set est différent, et le dernier est toujours le plus fort. Notre mission est de conquérir les âmes des gens, et on ne peut qu’être reconnaissants de la grâce que l’on nous a donnée pour l’accomplir. Aujourd’hui, pour moi, Tabarka était le meilleur concert, et donc un lieu à découvrir. Trop d’âmes…

 

Jowee Omicil, Let’s Bash ; 2017, Jazz Village
@Mariagrazia Giove
Voilà l’été, enfin l’été, toujours l’été

L’été est déjà bien entamé, avec son lot de tubes et de chorégraphies à mémoriser pour être le plus « frais » sur la piste de danse. Mais nous ne sommes pas tous égaux concernant cette période de supposé farniente, alors à vous qui n’avez pas la chance de brunir votre épiderme sous les sunlights des tropiques, on vous propose un moment de détente près de la chaleur de votre ordi en sirotant un cocktail maison (un vrai…) avec une playlist estivale pensée par nos soins…

 

« Estate » et « Summertime », ou l’histoire de deux standards du jazz

Originaire d’Italie, la chanson « Estate » a fait le tour du monde jusqu’à devenir un standard international de la musique jazz. Composée par Bruno Martino en 1960 sur des paroles de Bruno Brighetti, elle raconte la triste et banale histoire d’un amour déçu que ravive chaque année l’arrivée de l’été. La reprise en 1961 par le brésilien João Gilberto, qui y distille une couleur bossa nova, en fait un succès mondial. Dès lors, elle est reprise par de nombreux jazzmen de renommée internationale comme Michel Petrucciani ou Chet Baker. En 1981, Claude Nougaro modifie le morceau originel, l’intitulant « Un été », auquel il confère des paroles très personnelles qui content ses amours adolescentes.

L’une des plus jolies versions de cet opus est sans doute celle de l’inspiré Vinicio Capossela (interview sur notre blog à retrouver ici) sortie il y a près de vingt ans :

Plus célèbre bien sûr : le morceau « Summertime » qui compterait à ce jour, d’après le collectif de collectionneurs The Summertime Connection, plus de 82 000 interprétations dont environ 67 000 auraient été enregistrées. Il a été composé par George Gershwin en 1933 sur des paroles de DuBose Hayward, « Summertime » est en fait une berceuse pour l’opéra en trois actes Porgy and Bess qui narre l’histoire de deux afro-américains plongés dans la misère de la Caroline du Sud. Les versions les plus connues sont sans doute celles de Ella Fitzgerald & Louis Armstrong ainsi que celle, mémorable, de Janis Joplin. Mais la mélodie a dépassé les âges et surtout les genres : covers classiques (Barbara Hendricks, Yehudi Menuhin…), jazz (Charlie Parker, Bill Evans, Herbie Hancock & Joni Mitchell…), pop-rock (Gene Vincent, The Doors…), soul (Sam Cooke, Al Green…), reggae (B.B. Keaton & Lloyd Charmers, Lee Perry & Errol Walker…), world (Angélique Kidjo…) …  la mélopée a su conquérir les musiciens de tous horizons.

Les titres de l’été

Il serait aisé de lancer quelques idées d’écoute de morceaux qui évoquent l’été par leur caractère solaire : rythmes latino, paroles qui chantent la mer et le sable blanc, beats enflammés qui rappellent les dancefloors des îles baignées de lumière… mais l’exercice est tout autre ! On s’en est tenu à dénicher quelques morceaux qui contiennent réellement le mot « été » dans leur titre. Et les styles sont pour le moins hétéroclites…

On ne peut échapper à notre saison préférée de Vivaldi, « L’été », que l’on retrouvait l’an dernier dans le film La danseuse. Ni évidemment au refrain préféré des français à cette période, « Voilà l’été », des joyeuses Négresses Vertes. Mais on a retrouvé également une ou deux pépites laissées sur le bas de la route. Notamment « Étrange été », une chanson non moins étrange du regretté Alain Bashung. Ou encore un tube rétro de Jeanette, la mythique voix espagnole de « Porque te vas », que l’on retrouve ici avec « Sol de verano ». Tout aussi kitsch mais indémodables, l’immanquable « Summer nights » de la B.O. de Grease, ou le « Summertime blues » d’Eddie Cochran.

Si vous en êtes à grignoter la menthe de votre mojito et que vous préférez finir sur un parfum plus doux, choisissez la « Samba de verão » de Caetano Veloso ou la reprise du « Summer wind » de Frank Sinatra par Madeleine Peyroux. Avec une note de cachaça, vous pourrez, enfin, profiter d’une échappée belle…

Chaleur humaine pour la fête de la musique

36ème édition de la fête de la musique sous 36°C dans la capitale… de quoi faire sortir les parisiens de tous poils pour se frotter aux riffs de guitares et au combo hot-dog/bière toujours de mise pour ce genre de manifestations. Comme chaque année, les amateurs et professionnels du milieu seront dispatchés dans les rues de la ville. Quelques pistes et conseils ici, à suivre (ou pas..).

Groover en bord de Seine

Par cette chaleur torride, on serait tenté de lever l’ancre… Si tel est votre souhait, dirigez-vous vers le quartier de la BNF. Vous trouverez des péniches et guinguettes qui vous feront oublier un instant la moiteur du métro parisien. Pour autant, le son restera urbain…

Si vous êtes dans le coin, sachez que le Batofar fête les 10 ans de La Mamie’s. Collectif fondé en 2007 qui se résume en quelques mots : « 6 copains, 4 DJ’s, des paillettes et une folle envie de faire la fête. ». Ambiance groovy à coup sûr! Au programme de ce soir : open air devant le bateau, gros soudsystem et le crew au complet. Un aperçu de leur playlist ici. La soirée est gratuite jusqu’à 0h30.

Sable et dancehall à la Villette

La Philharmonie de Paris voit les choses en grand cette année. À l’occasion de l’exposition Jamaica Jamaica ! (qui sera en entrée libre aujourd’hui de 18h à 22h) et des 40 ans du label Greensleeves, le Blackboard Jungle SoundSystem vous fera revivre l’époque des meilleurs enregistrements de la musique jamaïcaine : Augustus Pablo, Barrington Levy, Bounty Killer… Jamïca, land we love !

Si vous en avez marre de chauffer vos tongs sur le béton, direction la Plage Glaz’art. Premier jour d’ouverture, et comme chaque année, vous pourrez écouter de l’électro en sentant le sable crisser sous vos pieds… plus d’infos sur la soirée ici.

Summertime rue des Lombards

Pour vous mettre en bouche avant la balade jazz à St-Germain-des-Prés HTR de dimanche prochain (event Facebook ici), on vous suggère de faire un arrêt au Sunset-Sunside. Il sera plus ou moins long selon votre goût pour le saxophoniste John Coltrane : la soirée est dédiée entièrement à ce monument du jazz ! Entrée libre : c’est le moment d’en profiter ! Plus d’infos ici.

Ménilmontant dans tous ses états

La fête de la musique, c’est surtout l’occasion de trainer entre amis avec du son qu’on découvre de ci-de là. Les concerts ne sont pas toujours au niveau, mais dans certains lieux on est à peu près sûrs de passer un bon moment (si on arrive à rentrer). Et comme on aime ce quartier, voici quelques idées :

Au 88 de la rue ménilmontant, la Bellevilloise inaugure un nouveau lieu éphémère et fête aujourd’hui la musique comme il se doit, dès 16h, dans une jungle en plein air ! Plus d’infos sur le line up ici.

À l’angle de la rue, vous connaissez sans doute le mythique Café des sports. Populaire et accueillant, le lieu dansera ce soir au son de la cumbia. Grosse chaleur et bonne humeur assurées.

Si vous êtes plutôt branché Brésil, vous pourrez démarrer la soirée au Mineirhino, un bar de quartier chaleureux qui propose une soirée samba dès 18h30.

Non loin de là, le Studio de l’Ermitage, l’une de nos salles parisiennes préférées, ouvrira elle aussi les portes au Brésil. Dès 19h, découvrez ce qu’est réellement la samba, en images et en musique ! Le groupe Roda do Cavaco, habitué des lieux, vous fera ensuite voyager jusqu’à la fermeture…

Il y aurait encore plein d’autres lieux chouettes à traverser ce soir : la place d’Aligre, le Mellotron, les Disquaires, la Marbrerie, le Nodana… mais pour l’heure on va plutôt se désaltérer et préparer nos meilleures tongs pour l’occasion…

3 questions à… Nicolas Repac (Republica Ideal de Acapulco)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves  confessions sur son rapport au voyage et à la musique.

Le 24 avril dernier, le Café de la danse accueillait un concert incendiaire dans la moiteur d’une salle comble : la Republica Ideal de Acapulco! Mené par le guitariste Nicolas Repac (Arthur H, Mamani Keita…) et la flûtiste et chanteuse cubaine Yaité Ramos (plus connue sous le nom de « la Dame Blanche »), ce projet géo-musical sillonne des sentiers sonores à l’énergie contagieuse « para bailar ». Le calme revenu après la tempête, nous avons pu échanger avec le discret et chaleureux fondateur du groupe.   

Compositeur, arrangeur et producteur, Nicolas Repac est avant tout un musicien touche-à-tout qui transforme ce qu’il entend tel un alchimiste. Complice de longue date du sibyllin Arthur H, il nage en eaux profondes et revient à la surface tantôt électrisé par des samples futuristes, tantôt ondulant sur les rythmiques cabossées d’un air mandingue… Avec Republica Ideal de Acapulco, ce guitariste à l’oreille aguerrie met le cap vers l’Amérique Latine et parcourt une terre savoureuse foulée par des mambos et des boléros en pagaille !

« À Bamako, la musique surgit n’importe où, à tout moment »

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

J’ai grandi dans un village du Sud de Toulouse. Mon premier souvenir musical remonte à mes 5 ans : j’écoutais la mire de l’ORTF en boucle en me tapant la tête en rythme contre le fauteuil ! Tous les jours ! Il n’y avait qu’une chaîne à l’époque. Plus tard, j’ai eu ma période Joe Dassin (j’étais fan), et j’ai découvert le rock n’roll avec Chuck Berry. Mais aucun des deux n’a fait partie des influences qui ont duré. Mes plus grandes inspirations ont sans doute été Jimi Hendrix (parce que je suis guitariste), mais aussi Tom Waits, Serge Gainsbourg, Brian Eno

Un jour, un cousin m’a ramené des morceaux de Martinique et de Guadeloupe. Des biguines, je crois. Sans rien y connaitre, j’ai commencé à m’intéresser à ces musiques d’ailleurs. Loin de mon univers quotidien : je viens d’une famille toute simple d’ouvriers. Ma curiosité personnelle m’a amené à découvrir l’Afrique, et à l’aimer. De là est né mon amour pour les musique du monde.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

J’ai un rêve, qui pourrait devenir réalité : jouer à New York. Tant de musiques que j’aime viennent de là-bas… je serais vraiment fier de jouer à Harlem, dans cette salle mythique qu’est l’Apollo Theater. Toutes les stars de la musique noire y ont joué !

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

Le Mali, sans hésiter, et surtout Bamako. La musique n’est pas sur scène mais dans la rue. Le rapport avec le public n’est pas le même que celui qu’on entretient en Europe. Ici, ce soir, on était habillés… la lumière s’est estompée… le public était là, prêt à applaudir à la fin… À Bamako, la musique surgit n’importe où, à tout moment : pour un mariage, pour un enterrement… C’est ce qui m’a stupéfait en Afrique. On est loin de la société du spectacle. La plupart des musiciens qui y vivent sont inconnus et ne prendront jamais l’avion pour venir ici, alors qu’ils sont incroyables. Donc pour les grands mélomanes, c’est un lieu à visiter à tout prix. Le talent y est ancestral.

Avril #AuxSons et en couleurs

Les week-ends d’avril sont souvent chargés, mais ce printemps pré-électoral nous prépare quelques rendez-vous musicaux inédits à ne pas rater. Voici quatre évènements qui pourront égayer vos prochains samedis.

Samedi 15 avril, tous à République !

Dès14h, rendez-vous sur la place parisienne qui a repris ses lettres de noblesse pour participer à une action citoyenne d’envergure ! Zone Franche, le réseau des musiques du monde, mène depuis le 3 février la campagne de mobilisation nationale #AuxSons pour faire entrer la diversité culturelle et musicale dans les débats des élections présidentielles et législatives et alerter sur la situation des musiques du monde en France. Ce samedi, plusieurs personnalités telles que Claudy Siar (RFI), Edwy Plenel (Mediapart) ou le musicien malien Cheick Tidiane Seck, seront présents pour animer le débat qui sera haut (sons… et) en couleurs.

Plus d’infos sur le programme détaillé de la journée ici.

Samedi 22 avril, le beatbox est dans La Place

Dans une ambiance créative et conviviale, Hit the road vous propose de participer à une expérience sonore décalée avec Scouilla, professionnel du Human Beatbox.

Le but de l’exercice? Produire des sons avec la bouche, le nez, la langue, la gorge. Travailler le souffle, la respiration, la diction et l’articulation. Dépasser sa timidité, être à l’écoute de l’autre et découvrir un nouveau style musical tout en s’amusant !

Avant l’atelier, vous aurez la chance de visiter les coulisses de La Place, le nouveau centre culturel Hip Hop situé au coeur du forum des Halles, lieu symbolique de ce mouvement. On vous emmènera découvrir les studios d’enregistrements, de danse, les salles de concerts et bien d’autres espaces…

Plus d’infos ici !

Pour toute inscription : info@hittheroad-events.com

L’atelier est fini et vous en voulez encore? Direction la Philharmonie de Paris ! À 19h, participez au débat modéré par Isadora Dartial (Radio Nova, et la dj fétiche de nos soirées Hit the road !) sur le thème des musiques jamaïcaines dans le cadre de l’exposition Jamaica Jamaica !. 

Plus d’infos sur l’expo et ses à-côtés ici.

Samedi 29 avril, Ciao Italia ! : une visite en chansons

À l’occasion de l’exposition Ciao Italia ! au musée nationale de l’histoire de l’immigration, les chanteurs du Chœur de l’Emigration et les artistes de La Maggese donnent la parole à ce « peuple qui manque »  dixit Nuto Revelli : ouvriers, paysans, montagnards, etc. On parcourt l’exposition qu’ils nous racontent ponctuée de ces « petits chants » qu’emportaient avec eux les émigrants.

Plus d’infos sur cette visite-chantée ici .

3 questions à … Aurelio (musique garifuna)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves  confessions sur son rapport au voyage et à la musique.  Nous avons traversé les frontières musicales jusqu’au Honduras à la rencontre du chanteur Aurelio, l’un des rares descendants de la tradition garifuna, à l’occasion du Festival Au fil des Voix qui s’est tenu à l’Alhambra en janvier dernier.

« L’histoire de mon peuple a débuté ici, sur l’île de Saint-Vincent »

Fils et petit-fils de musiciens, Aurelio Martinez n’a pas trahi la lignée: tout petit déjà il s’amusait à construire une guitare avec des planches de bois et des fils de pêche. Plus tard, son amitié avec Andy Palacio, fervent défenseur de la minorité garifuna au Bélize, lui ouvre la voie. Considéré comme l’un des plus grands interprètes de Paranda (un genre plus spécifique de la musique garifuna qui s’appuie sur la guitare acoustique), Aurelio revient aujourd’hui avec Darandi, un disque rythmé et solaire aux couleurs de l’été afro-caribéen.

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Je suis né dans la petite communauté de Plaplaya, dans la Mosquitia Hondurienne. J’ai été élevé par une famille de musiciens: ma mère était chanteuse et composait, mon père jouait de la guitare Paranda. J’ai grandi dans ce village qui doit compter près de 200 habitants et qui se situe à la frontière du Nicaragua, là où est installée l’une des premières communautés garifuna de la côte Atlantique. Bien sûr, j’ai été influencé par d’autres styles musicaux: le reggae de Bob Marley, mais aussi les chansons latines de Mercedes Sosa, Pablo Milanés ou Silvio Rodriguez. Et j’aime également les sonorités africaines et des artistes tels que Youssou N’Dour, Baaba Maal ou Salif Keita.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

Je rêve de jouer sur l’île de Saint-Vincent. C’est une petite terre des Caraïbes d’où les Garifunas ont étés chassé à la fin du XVIIIème siècle alors qu’il y régnait une certaine paix malgré la colonisation. Toute l’histoire de mon peuple a débuté ici, sur cette île où se sont réfugiés des esclaves pour donner naissance à une nouvelle couleur, « les caraïbes noirs ». J’aimerais jouer là-bas, retourner sur le lieu d’origine de ma communauté. Ce sera sans doute le moment le plus excitant de ma carrière !

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs?

Ce que je préfère, c’est la musique garifuna, donc je leur conseille évidemment de se rendre au Bélize lors d’un voyage. C’est l’un des rares endroits en Amérique où l’on peut entendre de la musique locale et des musiques venues d’ailleurs. C’est important pour moi car la culture garifuna est menacée, donc je soutiens les lieux qui préservent la diffusion de sa musique et en font un genre toujours vivant.

Aurelio, Darandi; 2016 (Real World/Pias)
© Richard Holder
Aux origines du Human Beatbox

Le 22 avril prochain, un atelier d’initiation au Human Beatbox est proposé par Hit the road, en partenariat avec La Place (centre culturel hip hop). Retour sur les origines d’une pratique passée de l’ombre au clair-obscur…

En anglais, le terme « human beat box » signifie « boîte à rythmes humaine ». Plus précisément, c’est l’art d’imiter des instruments (des percussions, mais également un saxophone, une basse ou autre) à l’aide de la bouche, de la langue, de la gorge, des dents ou du nez.

Le beatbox apparu dans les années 80 est étroitement lié à la culture hip hop. Mais cette technique vocale prend sa source d’autres genres bien plus anciens.

Une technique ancestrale

En Asie notamment, on retrouve des jeux sonores qui utilisent la voix et le souffle et imitent des instruments plus bourdonnants comme la flûte ou la guimbarde. C’est le cas du chant diphonique mongol, ou du Kattajaq, chant de gorge inuit interprété comme un jeu, le plus souvent par des femmes. La tradition des bols, qui fait partie du système rythmique indien depuis des siècles, est quant à elle à la fois une méthode mnémotechnique et une tradition de percussions vocales, utilisée aujourd’hui par des musiciens qui se rapprochent du jazz fusion et de la world comme Trilok Gurtu, John McLaughlin ou Zakir Hussain.

Certaines musique traditionnelles zoulous, notamment celles issues des langues dites à « clics » que l’on retrouve en Afrique de l’Ouest ou du Sud, se servent également de cette façon de reproduire les rythmes avec la bouche. Un très bel exemple ici avec la célèbre « Click song » de la diva sud-africaine Miriam Makeba :

A l’origine était le scat

Mais le parent le plus proche du human beatbox, celui qui l’a aidé à faire ses premiers pas, a grandi aux Etats-Unis, et on le retrouve fréquemment dans le jazz. La légende voudrait que ce soit l’audacieux Louis Armstrong qui en soit le père légitime. Lors d’une session avec son Hot Five, en février 1926, alors qu’il chantait « Heebies Jeebies », il aurait fait le clown, laissant tomber la feuille qui contenait les paroles du morceau, ce qui l’incita à en inventer d’autres avec des onomatopées, pour finir le chorus. On assistait en fait à la naissance du scat.

Les autres figures du genre restent aujourd’hui The Mills Brothers, Don Elliott, Cab Calloway ou Ella Fitzgerald, qu’on peut écouter ici sur l’excellent One note Samba.

De Bobby Mc Ferrin à Rahzel

C’est dans un ghetto new-yorkais, quelques années après les débuts du mouvement hip hop, que le human beatbox tel qu’on le connait aujourd’hui apparait. Il permet l’imitation de la grosse caisse et de la caisse claire pour accompagner les scratchs et le sampling. Les Fat Boys sont, au début des années 80, les enfants terribles de cette nouvelle boîte à rythme humaine, avec laquelle ils se divertissent :

L’un des premiers artistes vocaux à se faire remarquer fut Bobby Mc Ferrin, avec par exemple la culte « Don’t worry Be happy » qui reçut en 1988 le Grammy Award de la chanson de l’année. Inspiré autant par le hip hop que par le jazz et la soul, cet improvisateur de talent se plait à imiter des instruments à cordes ou à vents, comme dans cette sublime reprise de « Encore from Tokyo » (Keith Jarret) interprétée devant une salle comble au Festival Jazz de Montreux.

Mais le chanteur qui a popularisé le genre reste avant tout le King of Pop Michael Jackson, aves ses contrepoints rythmiques et ses prouesses vocales groovy, mises en avant par exemple dans le titre « Stranger in Moscow ».

À partir des années 90, le genre évolue, laissant place à des variations qui intègrent jusqu’à l’imitation des scratchs et des samples. En France, on peut notamment citer les toulousains Fabulous Trobadors (« L’accent ») et bien sûr les membres du Saïan Supa Crew avec des tubes tels que « Ring my bell » ou « Angela ».

Pratique devenue de moins en moins marginale, elle a été démocratisée grâce à des figures emblématiques comme Rahzel du groupe The Roots, rappeur américain originaire du Queens qui sort le légendaire album Make The Music 2000 (1999) et laissera des pépites comme « If your mother only knew » (reprise de la chanson de Aaliyah « If your girl only knew »).

Les membres du groupe Under Kontrol, dont fait partie le MC Faya Braz, crée le 1er championnat de France à Angers en 2006 et le 1er festival de Human Beatbox. Avec l’ascension des nouvelles technologies, le phénomène envahit la toile et les réseaux sociaux, et la France se place en 1ère ligne durant les championnats.

En 2015, Pascal Tessaud réalise Beatbox, boom bap autour du monde, le premier documentaire sur cet art « né d’une misère sociale. C’était important de montrer comment est né le Beatbox et quelles conditions ont poussé les gens à vouloir s’exprimer dans la rue. » :

Aujourd’hui championne du monde de Beatbox, la France est un vivier fertile pour les beatboxers en devenir. Malgré tout, la couverture médiatique reste trop restreinte pour permettre un réel envol de cette pratique. Vaille que vaille, des structures comme La Place, à laquelle Hit the road s’associe, ouvrent leurs espaces pour laisser vibrer ce souffle venu des battements du corps.

Rendez-vous le 22 avril !

Info & inscriptions : info@hittheroad-events

3 questions à… Vinicio Capossela (musique italienne)

« 3 questions à… » est une rubrique qui permet à nos lecteurs de découvrir un artiste à travers de brèves  confessions sur son rapport au voyage et à la musique. A l’occasion du Festival Au fil des Voix, nous avons pu rencontrer l’ensorcelant Vinicio Capossela, inclassable rock-star italienne qui, le temps d’une bière à l’Alhambra, nous a parlé d’Homère et de tavernes…  

« Votre blog s’appelle Hit the road et ça me parle : j’ai pris la route assez tôt ! »

Surnommé le « Tom Waits italien », cet admirateur de Jack Kerouac et John Fante s’est initié au jazz avant de prendre des chemins de traverse qui lui valent aujourd’hui une réputation de visionnaire. Après 14 disques, Vinicio Capossela poursuit son expérience d’albums-concept avec Canzoni della cupa, une ode à la musique folk et des chansons « rassemblées au fil du temps comme du bois de chauffe (…) qui nous autorisent à sentir le froid, l’émotion, le désir, la peur, l’aventure, l’euphorie, la joie, l’affliction et la mort. »*

 

Qui t’a le plus influencé musicalement durant ton parcours?

Je suis un déraciné. Mes parents sont originaires de la région Irpinia (sud de l’Italie), ils ont émigré très jeunes en Allemagne, où je suis né, et j’ai grandi en Emilie-Romagne. C’est une terre aux racines sauvages, on y écoute surtout du rock. J’ai grandi dans les années 80, la scène musicale était assez riche, les groupes pullulaient. Tom Waits est sans doute l’artiste qui m’a le plus inspiré, surtout à ses débuts. Mais la première musique que j’ai écoutée est celle qu’on passait pendant les mariages, la musique de bal. J’ai étudié au conservatoire, donc la musique classique a également eu une influence sur mon parcours. J’ai commencé en jouant des ballades au piano, en composant des morceaux assez proches du jazz. Puis je me suis mis à voyager. Votre blog s’appelle Hit the road et ça me parle : j’ai pris la route assez tôt ! La figure qui me correspond le mieux est celle du voyageur, du ménestrel. Ma musique a vocation à transmettre une histoire par le chant, c’est fondamental. Un peu comme le faisaient les aèdes du temps de la Grèce Antique. Ces poètes,  comme Homère et son Odyssée, racontaient l’histoire du monde à travers les cordes de la voix et de la lyre. Je crois qu’aujourd’hui, après toutes ces années, c’est le personnage dont je me sens le plus proche.

Si tu pouvais aller n’importe où, dans quel lieu rêverais-tu de jouer?

Je me suis déjà produit dans des conditions assez étranges. J’ai joué en haute montagne, à l’aube, dans les Dolomites italiennes. J’ai aussi donné un concert dans le Sanctuaire de Los burros de Aruba, en Andalousie, où mes seuls auditeurs étaient les 80 ânes qui le peuplent… J’essaie tant que possible de choisir le lieu dans lequel je vais jouer. C’est important car ça fait partie intégrante de mon discours artistique : essayer de jouer dans des lieux qui ne sont pas confectionnés pour la musique. Ce sont toujours les endroits les plus émouvants dans lesquels j’ai joué. Les grecs anciens construisaient leurs théâtres de façon à ce que les spectateurs éprouvent la sensation de l’univers, de l’infini. Mon rêve? Jouer dans le théâtre d’ Épidaure, l’un des plus vieux de la Grèce Antique.

As-tu un lieu musical coup de cœur à faire découvrir à nos lecteurs? 

J’aime beaucoup que la musique se joue dans des lieux où on peut aussi boire et manger, comme dans les tavernes grecques par exemple. Ecouter du rebetiko en Grèce a toujours été pour moi une grande source de joie : les voix s’unissent, on mange, on boit, et à un moment le chant s’installe. Il n’y a pas de barrières, avec le musicien d’un côté et le spectateur de l’autre. J’aime ce genre musical, cela m’a inspiré un disque et un livre. Mais je l’ai aimé d’autant plus que je l’ai découvert à table, en mangeant, en m’enivrant, en ayant un rapport corporel avec cette musique. C’était de la nourriture pour l’âme et le corps, pas uniquement pour les oreilles.

 

* D’après Vinicio Capossela

Vinicio Capossela, Canzoni della cupa; 2016, Warner Music

 

 

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